Dans Rusalka de Dvořák créée à Prague le 31 mars 1901 et considérée comme l’opéra national tchèque, le librettiste Jaroslav Kvapil s’inspire d’Ondine de La Motte Fouqué1 et de La Petite sirène d’Andersen. Il met en scène une créature des eaux, qui avoue à son père, Vodnik, qu’elle est amoureuse d’un prince et fait part de ses sentiments à la lune dans un air des plus célèbres. En présence de la sorcière Ježibaba, elle accepte ensuite d’être muette en échange d’un amour espéré avec le prince. Malheureusement, celui-ci s’intéresse à une princesse étrangère et la délaisse. S’ensuivra une fin tragique pour Rusalka ainsi que pour le prince pris de remords.
Cette œuvre a recueilli un retentissant succès dans le monde. Il apparaît néanmoins curieux de constater qu’il fallut attendre 1982 pour une création française à Marseille sous la direction de János Fürst, et encore 20 ans pour voir cet ouvrage à Lyon et à Paris.
La postérité a, parmi les œuvres d’Antonín Dvořák, consacré Rusalka pour la force des idées et l’inspiration de l’univers qu’elle sait parfaitement susciter. Le compositeur tchèque parvient en effet à créer un paysage orchestral qui n’appartient qu’à lui avec ses emportements, ses nostalgies et ses extatiques duos de sensualité trouble. Dans Rusalka, il emprunte au langage wagnérien aussi bien sur le plan du discours musical que sur le développement des interludes musicaux et l’emploi des leitmotiv (difficile de s’empêcher d’établir un parallèle avec les filles du Rhin du premier volet de la Tétralogie !)
Son génie dramatique dépeint avec autant de finesse que de chaleur passion pudique, humour subtil, sentiment tragique à l’échelle humaine, amour de la nature : tous ces ingrédients font de Rusalka l’un des sommets de l’opéra romantique.
La thématique de Rusalka : un parcours initiatique et sacrificiel
Le thème de l’œuvre évoque non seulement le corps de la femme et plus particulièrement celui des ondines, mais souligne aussi corrélativement les obstacles à l’expression de leurs sentiments. Ainsi l’héroïne qui, dans son parcours initiatique, tombe amoureuse d’un prince et veut devenir une « vraie femme », se voit-elle privée de la parole. La princesse étrangère chante face à une Rusalka contrainte au mutisme, tandis que les nymphes et dryades qui folâtrent dans l’univers de la nature, ne comprennent quasiment rien de la tragédie qui se déroule chez les mortels.
La thématique porte également sur l’abandon par l’ondine de son milieu propre (l’aquatique pour le terrestre) et l’opposition fondamentale entre l’élément perpétuel de l’eau et le monde borné des mortels. La transgression d’un monde pour tenter d’en intégrer un autre ouvre une voie catalysant tous les dangers dont l’issue ne peut être que la mort .L’aspiration à l’amour exige un chemin semé de sacrifices et de renoncements … Au final, cette Rusalka là se montre plus humaine que quiconque et mérite bien une reconnaissance comme telle dans une trajectoire ici idéalement exprimée.
Le postulat des metteurs en scène
Les metteurs en scène Jean-Philippe Clarac et Olivier Deloeuil souhaitaient travailler sur « la difficile construction de la féminité et sur la douloureuse découverte de la sexualité chez une jeune fille un peu idéaliste qui essaie de devenir une femme à part entière » N’est-ce point le sujet exact de Rusalka ? Leur démarche consistant donc « à inviter les spectateurs à s’interroger, à partir d’une œuvre lyrique, sur les enjeux culturels et sociaux qui les entourent » il leur est rapidement apparu que le monde actuel de la natation synchronisée offrait un univers idéal pour explorer la contemporanéité de ce thème à travers l’opéra de Dvořák .
« C’est en effet un univers féminin exacerbé tout en sourires éclatants, maillots de bains échancrés, paillettes et postures féminines archétypales…en dépit de la souffrance et des efforts physiques demandés à ces jeunes nageuses. Quoiqu’il arrive, elles doivent continuer à sourire et présenter une féminité rayonnante mais de « façade » quel qu’en soit le prix ».
Une scénographie construite à l’intérieur d’une piscine
Tout l’opéra se déroule donc dans une vaste piscine d’aujourd’hui qui est paradoxalement vide. Le travail des deux metteurs en scène repose en conséquence sur le questionnement des enjeux contemporains de Rusalka, mais tout en respectant totalement la dimension fantastique et parfois surréaliste du conte d’Andersen La Petite sirène, revu au prisme du livret de Jaroslav Kvapil d’après Friedrich Heinrich Carl de la Motte-Fouqué.
Pendant l’ouverture, avec l’appui de la projection d’une vidéo, on traverse une masse d’eau agitée, des étangs et une forêt qui font références à l’univers bucolique de Dvořák. Le tulle qui remonte découvre sur le plateau l’impressionnante structure d’une piscine vide surplombée par une sorte d’amphithéâtre avec des fauteuils et une immense fenêtre au travers de laquelle on verra tout au long de l’ouvrage des séquences aquatiques allant de passages de bancs de poissons à l’entraînement des nageuses. Rusalka est installée dans un mini bassin de caoutchouc. Pareilles images transposent l’action à une période contemporaine. Un parti pris susceptible de choquer les tenants d’une mise en scène traditionnelle ou d’irriter les spectateurs susceptibles de regretter le lac mythique dans une riante nature ? Tel ne fut point le cas car nous n’avons jamais entendu s’élever la moindre protestation, ni le moindre murmure dans un public particulièrement attentif et apparemment captivé et les deux metteurs en scène ont été chaleureusement applaudis aux saluts, signe que leur travail, marqué d’une incontestable cohérence, se doublait d’une direction d’acteurs aussi juste que captivante.
A priori des obstacles insurmontables et au final un mémorable triomphe
Les représentations lyriques sont parfois tributaires d’aléas qui tiennent à des incidents de santé des interprètes d’autant que la voix chantée se révèle un instrument infiniment sensible. Les circonstances particulièrement inquiétantes paraissaient liguées pour venir contrarier le bon déroulement de la première niçoise de cette Rusalka. Le ténor, qui incarnait le Prince, subitement tombé malade ne pouvait assurer la générale publique et, à défaut de possibilité de remplacement il fallut donc, recourir à une solution de fortune : l’un des deux metteurs en scène allait, en la circonstance devoir interpréter son rôle, sans naturellement le chanter d’où une situation pour le moins bizarre puisqu’aucun son ne sortirait de sa bouche dans les répliques a destination de ses partenaires. Vraiment problématique pour les duos ! …
Mais les ennuis ne s’arrêtèrent point pour autant, car la soprano en charge du rôle- titre, souffrant déjà d’une entorse d’un orteil, dut ensuite, à raison d’une subite infection la veille de la représentation, être transportée aux urgences où elle passa une nuit quasiment sans dormir, à seulement à quelques heures du lever du rideau. Un casse-tête à mettre à rude épreuve les nerfs les plus solides d’un directeur d’opéra ! Bertrand Rossi fit même appel au dernier moment à une cantatrice susceptible de remplacer sa collègue (bien que ne connaissant pas à priori la mise en scène) et qui se tint en coulisse. Vanessa Goikoetxea interrogée quelques minutes avant le début de la représentation déclara qu’elle allait accepter le défi de chanter le long et difficile rôle-titre parce que « la fierté de son âme de basque lui interdisait de renoncer ».
La superbe interprétation du rôle titre par Vanessa Goikoetxea en forme d’exploit
Malgré tous ces sombres nuages accumulés pour mettre en danger la représentation et devant une salle archicomble, le challenge était relevé haut-la-main et au salut final la soprano obtenait un extraordinaire triomphe comme il en a existé peu sur cette scène de l’Opéra de Nice, recevant en outre, un déluge de fleurs venu des loges d’avant-scène.
Elle fit valoir ce soir là une voix particulièrement solide et éclatante, très habilement conduite à la fois souple et colorée d’une parfaite homogénéité et d’une rare musicalité. Elle sut à bon escient émettre des aigus tranchants, selon les exigences de la partition, tout en usant dans les passages de douceur de subtiles mezza-voce qui vinrent enrichir son interprétation avec un admirable legato dans cet air sublime de l’ « Ode à la lune » qui constitue, sans doute, un sommet de la musique vocale. Elle le fit sur le plongeoir de la piscine, à moitié femme pour le haut du corps et moitié ondine pour le bas. Notons que certaines exigences de la mise en scène relèvent de surcroît de l’exploit physique, l’héroïne se trouvant toujours en perpétuel mouvement dans ce rôle parfois enserrée dans sa longue queue de sirène et, la plupart du temps, exécutant des mouvements quasi chorégraphiques, le tout avec une implication dramatique et un investissement théâtral de tous les instants sans qu’apparaisse tout au long de l’opéra le moindre signe de fatigue et sans que personne ne puisse soupçonner le moindre effort.
Quel panache !…
Une distribution d’une remarquable homogénéité
Mais comme un bonheur n’arrive jamais seul il convient de se réjouir de la distribution réunie par l’Opéra de Nice pour le chef-d’œuvre de Dvořák. On a admiré le phrasé châtié de David Junghoon Kim, ténor coréen, qui poursuit une carrière remarquée depuis ces dernières années dans les théâtres internationaux. Il mêle avec assurance un haut registre incisif et cisèle des piani de la plus belle eau dans le duo final. Retrouvailles de plaisir avec Camille Schnoor jeune soprano franco-allemande née à Nice et l’une des principales solistes de l’Opéra de Munich aussi fascinante que sculpturale dans le rôle de la princesse étrangère tandis Marion Lebègue en charismatique Ježibaba et Vazgen Gazaryan en sonore Vodnik constituent des choix judicieux. Tout le reste de la distribution se hisse à un niveau de grande qualité contribuant ainsi à un spectacle d’une rare homogénéité
Tous les protagonistes, choristes et instrumentistes bénéficient de la direction musicale d’Elena Schwarz jeune cheffe d’orchestre déjà pourvue d’un palmarès impressionnant à la tête de formations éminentes telles que le Philharmonia Orchestra, l’Orchestre Philharmonique de la BBC ou le Royal Philharmonique Orchestra ou encore celui de Los Angeles. Une direction où se conjuguent maîtrise et goût, dont la tension ne se relâche jamais et dotée d’une précision d’orfèvre et d’un lyrisme radieux. Un moment de grâce qui ne peut qu’éblouir : lors de l’interlude avec projection sur l’écran de la danse aquatique chaque mesure de l’orchestre synchronisée au millimètre avec chaque mouvement des naïades n’a pas manqué se susciter l’émerveillement des spectateurs.
L’Opéra de Nice peut, à juste titre, s’enorgueillir de l’accueil extrêmement chaleureux et enthousiaste que le public a réservé à cette production. D’autres titres et d’autres spectacles promettent au cours de cette saison quelques autres excitantes surprises.
Christian Jarniat
26 janvier 2024
Direction musicale : Elena Schwarz
Mise en scène, scénographie et costumes : Jean-Philippe Clarac et Olivier Deloeuil
Collaboration à la scénographie : Christophe Pitoiset
Lumières : Rick Martin (reprises par Christophe Pitoiset)
Vidéo : Pascal Boudet et Timothée Buisson
Graphisme : Julien Roques
Dramaturgie : Luc Bourrousse
Distribution
Rusalka : Vanessa Goikoetxea
Le Prince : David Junghoon Kim
Vodnik : Vazgen Gazaryan
Ježibaba : Marion Lebègue
La Princesse étrangère : Camille Schnoor
Première Nymphe : Clara Guillon
Deuxième Nymphe : Valentine Lemercier
Troisième Nymphe : Marie Karall
Le cuisinier : Coline Dutilleul
Garde-chasse et chasseur : Fabrice Alibert
Chœur de l’Opéra de Nice
Orchestre Philharmonique de Nice
Images Pascal Boudet – Clarac-Deloeuil > le lab – 2023
1Jean Giraudoux s’inspira du conte de la Motte Fouqué pour sa pièce en 1939. On se souvient de la représentation d’Ondine 1974 à la Comédie-Française mis en scène par Raymond Rouleau qui révéla, dans le rôle-titre, la bouleversante Isabelle Adjani alors âgée de 19 ans
