ORCHESTRE DE LA SUISSE ROMANDE / VICTORIA HALL / HANNU LINTU / PATRICIA KOPATCHINSKAYA SIBELIUS / LIGETI / BEETHOVEN

     Dans l’immensité du répertoire classique, certaines soirées semblent transcender la simple expérience du concert pour toucher à quelque chose de plus profond, un lieu où l’âme du compositeur rencontre celle de l’auditeur dans un échange silencieux et puissant. Ce fut le cas lors de cette soirée du 12 octobre au Victoria Hall de Genève qui vit se rencontrer Sibelius, Ligeti et Beethoven, trois géants aux esthétiques distinctes, mais unis par leur quête inlassable de vérité à travers la musique.

 

 

 

Sous la baguette inspirée de Hannu Lintu, l’Orchestre de la Suisse Romande est devenu le médium à travers lequel ces œuvres ont pris une nouvelle vie, vibrant d’une intensité qui semble prête à déborder de la scène. Dès les premières notes de l’œuvre patriotique de Sibelius, aux délires du Concerto pour violon de Ligeti, incarnés par la soliste extraordinaire Patricia Kopatchinskaya, jusqu’à l’éblouissant finale de la Septième Symphonie de Beethoven, cette soirée est une célébration de la musique non seulement comme art, mais comme force vitale. Un voyage à travers les époques, les styles, et les émotions, illustrant de façon éloquente la capacité de la musique à élever, défier et émouvoir profondément. Au-delà du simple concert, une expérience édifiante et cathartique.

La soirée débute par une immersion dans les profondeurs du patriotisme finlandais avec Finlandia de Jean Sibelius, une œuvre qui n’est pas seulement une pièce musicale, mais un morceau de l’histoire nationale finlandaise, tissé dans les fils du temps. Créée à une époque de turbulence et de résistance culturelle, Finlandia est née de la nécessité de préserver l’identité nationale au milieu de l’oppression russe. Elle symbolise l’esprit indomptable de la Finlande et sa quête d’autodétermination et de liberté. Dans cette interprétation, Hannu Lintu ne dirige pas seulement un orchestre ; il évoque l’âme d’une nation. Avec des tempi délibérément amples, il crée un espace dans lequel la musique respire la fierté et la nostalgie, une décision stylistique qui, bien que dépourvue de legato, permet le déploiement d’une intensité narrative profonde. Il y a un écho distinct dans sa direction, une réminiscence de Kullervo, le poème symphonique de Sibelius, lui-même évocation du Kalevala, l’épopée nationale finlandaise. Cette connexion n’est pas seulement musicale, mais viscéralement culturelle, tissant le folklore et l’histoire dans un récit symphonique solennel.La battue de Lintu est une danse en soi, précise et énergique, comme s’il maniait un fleuret plutôt qu’une baguette. Chaque mouvement est une estocade d’intention, sculptant l’espace sonore avec une virilité et une finesse mouchetée. On apprécie la sonorité mais aussi cette chorégraphie silencieuse, particulièrement palpable dans la dernière section de l’œuvre, où une sobriété contrôlée équilibre la vigueur avec une retenue élégante.
L’Orchestre de la Suisse Romande se transforme sous sa direction. Les musiciens ne sont plus simplement un ensemble ; ils incarnent le caractère finlandais, avec un mimétisme idiomatique qui transcende la performance pour devenir un témoignage. Les cordes pleurent, les cuivres proclament, et chaque coup de timbale résonne comme un cœur battant, intense et flamboyant, reflétant la lumière du Nord et les forêts sombres qui sont l’essence même de la Finlande. Ce n’est pas une simple ouverture de concert ; c’est une déclaration, une affirmation de l’identité et de la résilience, et un hommage poignant à la terre qui a nourri Sibelius et qui continue d’inspirer les chefs finlandais, qui respirent pleinement la vérité de cette musique que l’on aimerait décidément entendre davantage dans nos contrées.

 

Le Concerto pour violon de Ligeti : une odyssée sonore aux confins de la musique

Après l’immersion dans le patriotisme solennel de Finlandia, la scène se métamorphose en un paysage sonore étranger, presque extraterrestre, avec le Concerto pour Violon de György Ligeti. Cette œuvre, complexe et défiant toute classification, est un témoignage du génie d’un compositeur qui a repoussé les frontières non seulement de la musique mais de ce que nous percevons comme le réel et l’irréel. Patiemment élaboré au cours des années 1980 et 90, ce concerto symbolise la quintessence de la quête incessante de Ligeti pour l’innovation, intégrant des éléments de la musique traditionnelle, du modernisme, et même de l’illusion auditive.

L’œuvre s’ouvre de façon presque éthérée, avec un début qui évoque les paysages sonores de Sibelius, mais qui se transforme en une expérience auditive défiant la compréhension et les attentes. Patricia Kopatchinskaja, tout de rouge vêtue, incarne littéralement cette œuvre, au point d’en faire oublier le chef d’orchestre ! Son violon miaule, pleure, rit, dans un éventail d’expressions qui semble presque surhumain ; elle ensorcelle le public par son approche de la deuxième partie dans une révélation encore plus éprouvante, mêlant des sonorités orientales contemplatives avec l’utilisation inattendue d’ocarinas, transformant la scène en une méditation profonde sur le son et le silence.

 

 

Le violon chez elle n’est pas un instrument, c’est une extension de son propre corps, dépeignant une chorégraphie audacieuse de son et de mouvement. Le troisième mouvement exploite le registre suraigu du violon, créant un monde fantastique et capricieux, tandis que le quatrième offre un contraste stupéfiant avec une clarinette pianissimo qui évoque l’immensité et le mystère de l’espace. De loin, c’est le moment le plus passionnant de la soirée, pour son incroyable intensité physique et spirituelle, dans ces moments de temps suspendu où l’on sent que quelque chose d’impalpable se passe, créant une communion quasiment religieuse et hypnotique entre les musiciens et le public.
Plongée vertigineuse dans l’abysse sonore, ce quatrième mouvement, donc, éclate, défiant l’entendement, bouleversant les sens, arrachant l’auditeur à toute notion préconçue de réalité musicale. Là, dans un souffle à peine audible, une clarinette dévoile ses notes clandestines, évoquant un univers parallèle où la musique n’est plus séquence, mais essence. Nous ne sommes plus dans une salle de concert ; nous sommes aspirés dans un vortex sonore, un trou noir où le temps se distord et l’espace résonne. Les sons s’entrelacent, serpentent, se confrontent dans une danse cosmique, créant un labyrinthe auditif où chaque note est une étoile, chaque motif, une constellation. Ligeti nous tient en apesanteur dans ce fleuve statique, où les eaux ne coulent pas, mais vibrent, pulsent, émanent d’une source insondable. L’auditeur, privé de ses repères, n’a d’autre choix que de se laisser submerger, de se dissoudre dans cette immensité où résonnent les échos d’un univers inexploré. On ne peut s’empêcher de voir, par synesthésie un mystérieux monolithe noir surgir dans nos esprits, immense, impénétrable, reflétant notre image tordue par les ondes sonores. Cette néo-Odyssée de l’espace est la nôtre, intime, terrifiante, magnifique, magnétique. Kopatchinskaja, flamme écarlate, devient notre guide, notre prêtresse, notre fil d’Ariane dans ce dédale de résonances et de silences. Elle ne joue pas ; elle invoque. Son violon, prolongement de son âme, pleure, rit, hurle, chuchote. Soulages, maître de l’outrenoir, peintre de l’obscurité lumineuse, est là aussi. Chaque note est un pinceau trempé dans l’encre de l’infini, chaque phrase musicale une brosse qui caresse la toile de notre conscience. L’obscurité n’est pas absence de lumière ; elle est présence de mystère. Et dans ce mystère, Kopatchinskaja danse, virevolte, lutte et aime. Son archet est son partenaire, son adversaire, son amant. Le violon repousse les limites de ce qu’un instrument peut exprimer, de ce qu’un cœur peut ressentir. Des hauteurs cristallines aux abîmes grondants, il ne connaît pas de frontières, pas de tabous. Tout est permis, tout est nécessaire. L’audace de Ligeti rencontre la bravoure de Kopatchinskaja, et ensemble, ils nous offrent non une performance, mais un rite de passage.
Son jeu dans le cinquième mouvement devient chamanique, invoquant des images de transes dionysiaques, de forêts mexicaines, et même de rituels de sacrifice maya. C’est l’équivalent musical du « théâtre de la cruauté » dont parlait Artaud dans sa forme la plus pure, laissant le public pantois, haletant et extatique. Comment un violon peut-il produire de tels sons, de telles émotions ? C’est un délire de génie musical, culminant avec une virtuose littéralement possédée, sifflant et chantant tandis que l’orchestre simule une bataille chaotique. L’œuvre se conclut, laissant derrière elle un silence qui résonne plus fort que toute musique. Nous ne sommes plus les mêmes. Nous avons voyagé au-delà des étoiles, plongé dans les profondeurs de notre être, confronté les fantômes de nos peurs et les démons de nos désirs. Patricia Kopatchinskaja accompagnée par les vaillants musiciens de l’OSR, ne nous a pas donné un concert. Elle nous a donné une renaissance. Indéniablement, une œuvre à voir, plus qu’à entendre.

 

 

 

 

Le bis est tout aussi généreux et captivant, avec Intermezzo, Giocoso-serioso et Nein ! démontrant la virtuosité de Patricia Kopatchinskaja, non seulement en tant qu’interprète mais aussi en tant que compositrice. Dialogue expérimental, livré avec l’un des premiers violoncelles, Lionel Cottet, impeccable et complice, cette pièce est le prolongement idéal du concerto. Le second bis, Ballade et danse pour deux violons, de Ligeti, mais plus sage, plus classique, rafraîchissant et virtuose, avec le concours de David Guerchovicth, musicien supplémentaire ne faisant pas partie de l’OSR, nous permet d’apprécier la belle générosité d’une artiste atypique.

 

 

 

 

Avec Ligeti, nous vivons une catharsis, une exploration des limites de la musique, de la sonorité, et de l’expérience humaine. C’est une démonstration que la musique n’est pas un art figé, mais un univers en expansion constante, défié et redéfini par des artistes courageux comme Patricia Kopatchinskaja. L’apothéose de la transe, en somme.

     Changement total d’univers pour la seconde partie de cette folle soirée. La Septième symphonie en la majeur, Op. 92, de Beethoven, souvent éclipsée par ses sœurs la Sixième (Pastorale) et la monumentale Neuvième, est une œuvre qui célèbre la joie de vivre et la danse. Créée en 1813 lors d’un concert caritatif pour les soldats blessés à la bataille de Hanau, elle fit l’objet d’un éloge vibrant en 1849 sous la plume de Wagner dans son traité Das Kunstwerk der Zukunft (L’Œuvre d’Art du Futur) : « la symphonie est l’apothéose de la danse : c’est la danse dans son essence suprême, la réalisation la plus bénie du mouvement du corps presque idéalement concentré dans le son. Beethoven dans ses œuvres a mis le corps en musique, mettant en œuvre la fusion du corps et de l’esprit ». Toute l’interprétation de ce soir justifie l’exaltation wagnérienne.
Dès le premier mouvement, Hannu Lintu fait un choix audacieux, embrassant une énergie palpable. Le Vivace s’élève, non pas comme une simple indication de tempo, mais comme une pulsation vitale qui traverse l’orchestre. La motricité ici est indéniable, chaque note et chaque phrase musicale s’imbriquant dans une danse enivrante. Le choix de Lintu d’éviter une interprétation trop nuancée met l’accent sur une certaine rusticité, une vigueur brute qui est souvent éclipsée dans des performances plus policées. Cela n’amoindrit en rien les moments de grâce, en particulier la prestation du hautboïste, dont les interventions solistes apportent une humanité chantante, un rappel lyrique qui plane au-dessus de la frénésie rythmique.
Le deuxième mouvement, Allegretto, contraste de manière frappante. Lintu ralentit considérablement le tempo. Les violoncelles adoptent un ton obsédant, évoquant des ombres automnales plutôt qu’un deuil immédiat, un choix qui peut parfois donner l’impression de s’enliser. Cette interprétation nous éloigne de la passion déchirante ou de la mélancolie éthérée que des chefs comme Carlos Kleiber ont gravées dans des concerts et disques mémorables. C’est une marche solennelle, chaque pas un poids, chaque silence un soupir. Peut-être est-ce la relative faiblesse de cette interprétation, car l’alanguissement peut parfois faire perdre de vue la cohérence organique de l’ensemble.
Le troisième mouvement, un Presto qui porte en lui les échos d’une scène bucolique, voit Lintu tirer les fils de la modernité incrustée dans la partition de Beethoven. Il y a une retenue dans sa baguette, une sorte de pudeur qui, par moments, semble peser sur l’orchestre, un fardeau qui ralentit les ailes du Scherzo. Cette lourdeur n’est pas sans évoquer une certaine monotonie, une langueur qui s’étire par trop, égarant l’auditeur dans une prairie imaginaire un peu trop vaste, un peu trop silencieuse.
Cependant, tel un lever de rideau révélant un tableau jusqu’alors dissimulé, le quatrième mouvement explose en un Allegro con brio éblouissant. L’Orchestre de la Suisse Romande se métamorphose sous la direction de Lintu, les notes fusent telles des étoiles filantes dans un ciel nocturne. L’excitation est à son comble, la musique avançant avec la précision d’un sabre dégainé en plein duel. La gestuelle de Lintu est une chorégraphie en elle-même, chaque mouvement, chaque expression du visage, chaque élévation de main contribuant à cette célébration d’énergie pure. C’est un finale électrisant, qui se conclut sur un tonnerre d’applaudissements mérités.

     Hannu Lintu, avec son charisme et son énergie, a su créer une symbiose avec l’Orchestre de la Suisse Romande, offrant une très belle soirée, déconcertante dans Ligeti et l’OVNI violonistique de Patricia Kopatchinskaya. Ce fut l’apothéose de la densité.

Crédits photos :  Magali Dougados et Marco Borggreve